Publicado el Miércoles 18 de marzo de 2009, a las 19:49

Le lion de Belfort 18, de Max Ernst Max Ernst. Le lion de Belfort 18. Une semaine de bonté, 1933. Foto: cortesía Fundación Mapfre.

Julio Castro – laRepúblicaCultural.es

Una de las principales etiquetas que puede distinguir a Max Ernst es la de ser uno de los artistas más polifacéticos del siglo XX, pero también la de creador o integrador de algunos de los principales movimientos de la vanguardia del arte en su época.

Nacido en la localidad alemana de Brühl, cerca de Colonia, en 1891, comenzó a pintar a los 18 años, tras abandonar sus estudios universitarios de Filosofía y lenguas clásicas, pero nunca recibiría una educación formal en este ámbito de artístico.

Sirvió en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial, en 1914, lo que tiene una gran trascendencia a la hora de comprender cómo se reflejan sus vivencias en la producción artística de diferente tipo que generará Ernst posteriormente. No en vano, dice en su autobiografía que “Max Ernst murió el 1º de agosto de 1914�.

El Surrealismo y el Dadaísmo son movimientos que definen principalmente la obra o el concepto de lo que Ernst elabora y ofrece al público en sus trabajos. El movimiento Dada que muestra un reflejo de la nada existente en la innovación artística del momento, aglutinará a muchos de los pintores del momento, pero también a los miembros de otras actividades culturales.

La peculiaridad de este autor de ir por delante de su época siempre, teniendo en cuenta su longevidad, le hacen destacar sobre otras figuras de su entorno, pero le unen a algunos de sus colegas y compañeros del momento, ya sea en la pintura, en la escultura o incluso en la literatura, dentro de cuyas filas también se ocupó de la poesía. Aunque puede sorprender algunas colaboraciones en el campo de la cinematografía, con un marcado estilo del surrealismo que muestran la proximidad entre él y el Buñuel de “Un perro andaluz�, con el corto titulado “Sueños que el dinero puede comprar� (Dreams that money can buy), en el que Ernst participa, bajo la dirección de Hans Richter el año 1947.

Es interesante la muestra que ofrece la Fundación MAPFRE en Madrid, que no es sino la repetición de aquella de 1936 bajo el título Une semaine de bonté el mismo que recibiera entonces en la misma ciudad. La muestra recoge una serie de collages realizados a partir de los recortes de dibujos y grabados de libros muy anteriores a la época de realización, con unos montajes cuyo resultado consigue, por una parte, hacer una serie de duras críticas a los temas que el autor consideraba más candentes y que le provocaban rechazo, como el poder militar, la religión y la iglesia, los estándares sociales, las falsas formas de su momento… Pero también se atrevió con otras cuestiones relativas a los sueños y la mitología, si bien todas acaban revirtiendo y redundando en la misma crítica social.

Es pues, un avanzado en su trabajo, en el concepto, pero también en el atrevimiento a enfrentarse a los poderes reales (entonces no fácticos) de la sociedad de los años ’20 y ’30 del siglo XX. Su entorno y su inquietud le sirven para acabar durante al inicio de la Segunda Guerra Mundial, previo a la invasión del país galo por parte de los nazis, en un campo de concentración francés, rodeado de miles de otros alemanes muchos de los cuales eran escritores y artistas. Tras conseguir Eluard su liberación, llega el enemigo contrario, militares compatriotas suyos que le apresan, pero consigue huir, de allí a Estados Unidos, donde permanecerá bastante tiempo hasta su regreso en 1953 a Francia.

La muestra, que hubo de ser recogida rápidamente en el ’36 ante el riesgo de que sufriese daños tras el estallido de la guerra civil española, tendría numerosos ataques sociales y censuras en la época por su carácter abiertamente crítico, pero también por los temas tratados, entonces tabúes en numerosos casos, sea por el tema del sexo o la religión.

En cuanto a la organización de la misma, se recoge entorno a la idea de crear un cuadernillo diferente para cada día de la semana, si bien las razones económicas obligaron a dejarlo limitado a 5, de manera que son domingo, lunes, martes, miércoles más un quinto que reúne jueves viernes y sábado.

Transgresor incluso en comenzar la semana por el día de descanso, dedica cada cuaderno a un tema y asocia colores y significados, de manera que el domingo es el marrón y ejemplifica al León de Balfort, ridiculizando el poder, asignando a cada uno de los collages una imagen con una cabeza o una imagen de león, casi siempre con uniforme militar, pero también con cuerpo togado de magistrado, o del poder en general.

En esta serie incide enormemente en las tropelías de los poderosos, pero tiene un carácter repetitivo en muchas de las imágenes que muestran el poder machista sobre mujeres a las que agraden o torturan o, simplemente, someten, a veces parece que con la asunción de la propia mujer, pero en muchos casos con el sufrimiento reflejado. También parece simbolizar juegos de poder de la sociedad, que considera hipócritas y retorcidos por la forma de plasmarlos.

El lunes corresponderá al color verde que quiere simbolizar la naturaleza, con el elemento del agua como hilo conductor, que se transforma en portadora de desastres, pero también de renovación. Una renovación que cree necesaria en una sociedad que se autodestruye, y cuyo fin debe ser el de regenerarse. Quizá la similitud con el diluvio tenga un peso específico, pero con una satirización y mordacidad que nada tiene que ver. Esta serie tiene luego un reflejo muy directo en las imágenes del sueño que se observa en el corto documental (que se proyecta, como antes decíamos, en la exposición), donde muestra la mujer que muere o se renueva en su lecho, pero bajo la cama aparecen muertos que el protagonista del sueño va sacando, como un símil en el que busca aquello que está escondido tras la primera imagen.

El martes será el fuego, con el color rojo y un elemento como el dragón que se repetirá en las diferentes secuencias. Es otro elemento de destrucción y renovación, que también se encuentra en contraposición con el poder divino y eclesiástico que demonizó durante siglos a este animal mitológico, por medio de las leyendas de caballería. También confiere un gran peso a la sexualidad como elemento serpiente, que diversas imágenes representan en forma del símbolo fálico, pero también del demoníaco. Por ello incluye en diversas facetas de la exposición, recortes de Adanes o Evas extraídos de libros y mezclados con las restantes figuras, que a veces es difícil de desentrañar no conociendo la procedencia exacta de los recortes de cada collage. Incluye en esta serie una crítica a las falsas apariencias en las relaciones humanas, y las infidelidades semiocultas, que a veces tienen un carácter más de falsas apariencias dentro de un modelo social hipócrita.

El cuarto cuadernillo tiene el color azul de fondo, pero su tema es la sangre y el tema que reúne el hilo conductor es la sangre. Se le asigna como día el miércoles. En él utiliza una serie de Edipos con cabeza de ave, dentro de una historia basada en el original y tratada a su manera, en la cual Edipo tampoco podrá sustraerse a su destino.

El quinto volumen tiene como color el amarillo, pero reúne tres jornadas y, por lo tanto, tres temas.

El jueves lleva por elemento el negro y tiene dos ejemplos en la temática: el gallo, como símbolo que representa a Francia, pero también la muerte y el sexo como lo más atávico del ser humano. Por otra parte toma como símbolo la Isla de Pascua, cuyas misteriosas cabezas gigantes utiliza para simbolizar la frialdad y la crueldad de la piedra.

El viernes tendrá como tema de fondo la vista, y el ejemplo es el interior de la vista. Trata de los siete días de la creación, pero no olvida elementos como el fuego, la muerte, la descomposición, el sexo o las aves.

El sábado será el día de la histeria, entendida esta como una enfermedad que en su época se achacaba exclusivamente a las mujeres y que se explicaba como una enfermedad que nacía en el útero, deambulaba por el cuerpo y se manifestaba al llegar al pecho, haciendo enfermar a la mujer y haciéndose patente por medio del grito incontenido y las convulsiones. Sin embargo, los surrealistas hacen una desmitificación de este concepto, defendiendo la histeria como una forma diferente de creación y de conocimiento alternativo inspirador y liberador. El ejemplo para este día lo titula “la llave de los cantos�.

La realización de las obras que componen toda la exposición responden, además de a la perseguida crítica que transmite su mensaje, al deseo del autor de hacer creer que la obra no es un collage, sino una imagen de una época anterior, al usar láminas más antiguas, que trata con un delicado recorte y un fino pegado, rematado con algunos retoques del dibujo para dar la impresión de la unidad de la obra acabada. A medida que va avanzando, aunque sigue evitando que pueda aparecer ningún relieve, hace uso de maneras más descaradas a la hora de hacer le montaje, de forma que no se preocupa tanto por adornar el collage, sino que hace que se muestre la realidad del montaje a fin de que se asuma el mensaje que va implícito, otorgando más importancia al simbolismo que a la obra en sí.

Esto último se pone de manifiesto especialmente en el último de los cuadernos que componen la serie, ya que tiene una mayor tendencia a esquematizar y simbolizar la imagen, respondiendo mas a la idea de dibujo lineal que a la del collage asimilado a una lámina de libro, aunque no abandona completamente la técnica precedente.

Vemos en esta exposición a un Max Ernst muy diferente al del reto de su obra, ya que sufrirá numerosos cambios y evoluciones, cada vez más interesantes, pero basados siempre en su inquietud por el arte, por la transmisión del mensaje ante todo, y en la investigación de nuevas técnicas y procedimiento en los diferentes campos que tocará.